5 марта в ГМИИ имени Пушкина открылась выставка «Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и „Лондонская школа“». Работы Бэкона — одного из самых значимых художников XX века — уже привозили в Эрмитаж в 2015 году, эта же выставка — отличная возможность узнать, что знаменитый британец творил не в вакууме. В Пушкинском его картины дополняют работы единомышленников — представителей «Лондонской школы», целого круга живописцев, которых объединяло желание привнести в искусство человечность и автобиографичность. The Village попросил сотрудницу Пушкинского музея Марию Аверину рассказать о Бэконе, Люсьене Фрейде и других художниках «Лондонской школы».

В годы Второй мировой войны и в послевоенный период Лондон стал местом притяжения идей и талантов. Подобно Парижу в начале века, британская столица объединила художников из разных уголков Европы, которые спасались от нацизма или искали лучшей жизни. Среди них особую известность приобрела группа художников, отдававших предпочтение фигуративной живописи. Уже позднее эту группу стали называть «Лондонской школой», после выставки 1976 года под названием «Человеческая глина», в каталоге к которой художник и куратор выставки Рон Б. Китай впервые употребил этот термин. Чаще всего к «Лондонской школе» относили Фрэнсиса Бэкона, Люсьена Фрейда, Рона Б. Китая, Франка Ауэрбаха, Леона Коссофа и Майкла Эндрюса. Их связывали общие источники вдохновения, учеба в одних художественных школах, общая атмосфера послевоенного времени и, конечно, дружеские отношения.

В противовес повсеместному увлечению абстракционизмом и концептуализмом, художники «Лондонской школы» во многом оставались приверженцами фигуративной живописи. Несмотря на разные творческие подходы и методы, в центре внимания каждого оставалась человеческая фигура. Травматический опыт войны и ее страшные последствия побуждали их к исследованию хрупкости человеческого тела. В то время как искусство после Второй мировой войны зачастую пыталось абстрагироваться от пережитой боли, британские художники продолжали переосмыслять пережитое, раз за разом напоминая об уязвимости человека.

Художники« Лондонской школы» получили широкое признание. Сегодня совершенно ясно, что их живопись стала одним из самых значительных явлений в мировом искусстве ХХ века. Имена Фрэнсиса Бэкона и Люсьена Фрейда широко известны во всем мире. Еще предстоит в полной мере оценить наследие Франка Ауэрбаха, Леона Коссофа, Рона Б. Китая и Майкла Эндрюса, которые, безусловно, оказали значительное влияние на развитие современного британского искусства.

Фрэнсис Бэкон. Вторая версия триптиха. 1944–1988 © Tate Дар художника в 1991 году. © The Estate of Francis Bacon

Фрэнсис Бэкон: живопись крика

Первым среди художников «Лондонской школы» известность приобрел Фрэнсис Бэкон, самый старший из них. Он родился в 1909 году в Дублине в семье военного. В возрасте 17 лет Бэкону пришлось бежать из дома от гнева отца, не желавшего мириться с его гомосексуальными наклонностями. После довольно продолжительных скитаний Бэкон обосновывается в Лондоне, ищет себя и, вдохновившись работами Пикассо, решает заняться живописью, которой никогда не учился специально. Хотя слава к художнику-самоучке пришла в 1945 году, и с тех пор Бэкон оставался одним из наиболее узнаваемых и успешных британских художников. Сегодня выставки его творчества регулярно проходят в крупнейших музеях мира, а цены на картины бьют рекорды.

Поворотной вехой в творчестве Фрэнсиса Бэкона стала работа «Три этюда к фигурам у подножия распятия» (около 1944 года). Этот триптих впервые по-настоящему привлек внимание к художнику, став отправной точкой для его дальнейшего творчества (почти все картины, предшествовавшие этой работе, Бэкон намеренно уничтожил). На выставке в Пушкинском музее представлена вторая версия этой знаковой работы, созданная художником в 1988 году. По словам самого Бэкона, зооморфные фигуры олицетворяют мстительных и кровожадных Эриний, богинь мести из трагедий древнегреческого драматурга Эсхила. Воплотив на холсте эти фигуры еще в 1944 году, Бэкон сосредоточил в них всю агрессию и боль того времени, которая словно изливается из ощерившихся существ. С тех пор крик стал постоянной темой в работах Бэкона, который видел задачу живописи в создании образа совокупности ощущений, в «непосредственной атаке на нервную систему».

Люсьен Фрейд. «Девушка с белой собакой». 1950–1951. Галерея Тейт: приобретено в 1952 году. ©Tate, London, 2019. © The Lucian Freud Archive / Bridgeman Images 

Люсьен Фрейд: экзистенциализм в портрете

Внук основоположника психоанализа Люсьен Фрейд родился в Берлине в 1922 году. Спустя десять лет его семья бежала в Лондон, спасаясь от нацизма. После довольно продолжительной учебы Фрейд сосредотачивает свое внимание на портретной живописи. Он стремился писать в реалистической манере, которая, впрочем, менялась на протяжении его жизни, и наделял своих персонажей яркими, экспрессивными психологическими характеристиками. Сегодня Люсьен Фрейд, несомненно, считается одним из выдающихся британских художников ХХ века. В 2011 году он даже удостоился чести писать портрет королевы Великобритании, которая не пожалела времени и на протяжении 19 месяцев регулярно позировала художнику.

В основном Люсьен Фрейд все же предпочитал писать тех, кого знал близко. Подолгу работая над каждым портретом (тщательная, скрупулезная работа над картиной вообще была присуща художникам «Лондонской школы»), Фрейд подолгу рассматривал своих моделей, добиваясь невероятного психологизма, что снискало ему славу «Энгра экзистенциализма». Представленная на выставке картина «Девушка с белой собакой» — портрет первой жены художника Китти Гарман, выполненный им незадолго до их расставания. Модель с ее задумчивым, застывшим взглядом кажется отстраненной, но вместе с тем безропотной. Столь же послушной выглядит и фигура собаки — в живописи традиционный символ верности и покорности.

Майкл Эндрюс. «Мы с Мелани плаваем», 1978-1979. © Tate: приобретено в 1979 году. © The Estate of Michael Andrews / Courtesy James Hyman Gallery, London

Майкл Эндрюс: воображаемая реальность

Британец Майкл Эндрюс родился в 1928 году на востоке Англии. Во время учебы в Школе изящных искусств Слейда его преподавателем был Люсьен Фрейд, оказавший на него большое влияние и впоследствии ставший его близким другом. Кроме того, в школу регулярно приходил и Фрэнсис Бэкон, также в значительной степени повлиявший на молодого художника. В результате Эндрюс, как и Фрейд, выбрал для себя экзистенциальный тип реализма, в своем творчестве исследуя положение человека в мире и тайны его природы. Примечательно, что, помимо портретов друзей и близких, Эндрюс писал и вымышленные сцены. В частности, у него есть серия работ с изображением вечеринок, в которых, помимо своих современников и людей, которых он знал, Эндрюс изображал людей из прошлого.

На выставке представлена одна из самых известных работ Эндрюса «Мы с Мелани плаваем» (1978–1979). Картина была написана им по фотографии, запечатлевшей его плавающим с шестилетней дочерью Мелани. Здесь вновь повторяется мотив человеческой хрупкости. Беззаботная семейная сцена на самом деле сложнее, чем может показаться на первый взгляд. Темная гладь воды и острый скалистый берег настораживают и заставляют задуматься о сложностях жизни, с которыми однажды Мелани придется столкнуться самостоятельно, без чуткой поддержки отца. Примечательно, что открытки с репродукцией этой картины являются одними из самых популярных в сувенирных магазинах Музея Тейт — этот простой, но трогательный сюжет о взрослении и взаимной поддержке близок каждому и мало кого оставляет равнодушным.

Леон Коссоф. «Храм Христа, Спиталфилдс, утро», 1990 © Tate: приобретено в 1994. © Leon Kossoff / Courtesy of L.A. Louver, Venice, California

Леон Коссоф: портреты города

Сын еврейских эмигрантов из Украины, Леон Коссоф родился в Лондоне в 1926 году. Лондон, где он живет и работает по сей день, — одна из центральных тем его творчества. В своих картинах он часто изображает одни и те же места, по разным причинам для него значимые: железнодорожная станция Уиллесден (в 1960-е годы рядом располагалась его мастерская), находящийся неподалеку от нее бассейн (где он учил плавать сына) или храм Христа в Спиталфилдс (в этом районе прошло детство художника). Изображение последнего представлено на выставке в Пушкинском музее. Коссоф пишет церковь, которая в реальности достаточно узкая и вытянутая, широкой и приземистой. Здание храма кажется находящимся в движении, будто схваченным краем глаза, а фигуры прохожих выглядят миниатюрными и хрупкими на фоне массивного, словно нависающего здания.

Франк Ауэрбах «Примроуз-Хилл». 1967–1968.
Галерея Тейт: приобретено в 1971 году. © Tate, London, 2019. © Frank Auerbach / Courtesy Marlborough Fine Art

Франк Ауэрбах: фиксация меняющегося образа

Франк Ауэрбах родился в 1931 году в Берлине в еврейской семье. Восьмилетним его отправили в Лондон, спасая от нацистов. Родители будущего художника не смогли последовать за ним, остались в Германии и позже погибли в Аушвице. После учебы в школе-интернате в Кенте, Ауэрбах переехал в Лондон, где живет по сей день.

Творчество Ауэрбаха отличает не только характерный для художников «Лондонской школы» интерес к человеческой фигуре, но и обращение к городским видам. Подолгу работая над одной картиной, художник стремился не просто запечатлеть объект, а передать опыт его создания. Например, в случае картины «Примроуз Хилл» (1967–1968), которую он писал в течение года, Ауэрбах старался изобразить живое, меняющееся состояние парка, расположенного на холме. За год работы он создал более 50 рисунков с изображением холма в разное время суток и в разное время года. Сама же картина претерпела множество правок. Ауэрбах зачастую много раз полностью соскабливал краску с холста и переписывал картину, чтобы добиться той внутренней убедительности и правдивости образа, к которой он всегда стремился.

Рон Б. Китай «Убийство Розы Люксембург», 1960 © Tate: приобретено в 1980. © R. B. Kitaj Estate / Courtesy Marlborough Fine Art

Рон Б. Китай: анализ истоков

Рон Б. Китай (настоящее имя — Рональд Брукс Китай) родился в 1932 году в Кливленде, США. После окончания школы Китай был моряком в торговом флоте, некоторое время жил в Европе. Затем он записался в армию и служил во Франции. К этому моменту Китай успел получить базовое художественное образование в крупных университетах США и Европы. В 1957 году он переехал в Англию, где продолжил обучение и прожил почти 40 лет вплоть до своего возвращения в Америку.

Китай посвящал много времени изучению еврейской культуры и со временем начал позиционировать себя как еврейского художника. Одной из самых известных его работ является картина «Убийство Розы Люксембург» (1960). Несмотря на то что данная работа повествует о конкретном историческом событии, Китай говорил, что это картина о преследовании евреев вообще. Сама Люксембург ассоциировалась у него с его родной бабушкой, вынужденной бежать из Австрии в США в 1930-е годы. Фигура в левом верхнем углу картины символизирует другую его бабушку (ее, кстати, звали Роза), которая в свое время также была вынуждена эмигрировать в Америку, спасаясь от еврейских погромов в царской России.

Паула Регу. «Невеста», 1994 © Tate: приобретено в 1995. © Paula Rego / Courtesy Marlborough Fine Art

Юэн Аглоу, Дэвид Бомберг, Уильям Колдстрим и Паула Регу

На выставке в Пушкинском музее представлены еще четыре художника, чьи творческие и педагогические установки, методы работы, а также обстоятельства биографий позволяют причислить их к «Лондонской школе». Дэвид Бомберг и Уильям Колдстрим во многом повлияли на вышеперечисленных художников (в частности, Ауэрбах и Коссоф были учениками Бомберга, а Эндрюс и Аглоу учились у Колдстрима). Португальская художница Паула Регу в ранние годы выставляла свои работы вместе с лондонской группой (наряду с такими художниками, как Франк Ауэрбах и Дэвид Хокни). Переплетение повествовательных мотивов, воображения и реальности стали определяющими для ее творческого метода и способа отражения действительности на протяжении всей ее карьеры. Художница продолжает жить в Лондоне, а ее творчество получило широкое признание в мире: буквально только что в парижском Музее Оранжери отгремела ее масштабная ретроспективная выставка.


Фотографии: ГМИИ имени Пушкина